CRITIC

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1. FROM THE SUBTLETY OF ART TO THE WEIGHTINESS OF GESTURE / 2010 

By Ernesto Calvo (Cuba)

 

The increasingly blurry or un-capturable state of certain projects that are common in art today – what the philosopher Yves Michaud has called “gaseous states” ­– apparently guarantees an examination of subversive possibilities and an eventual ticket in to the pragmatic, and cynical, world of contemporary art where any object or even a gesture with some amount of materiality, can become a high-profile and symbolic means of exchange by curators in galleries and art fairs.

Marcos Agudelo belongs to a generation of young Central American artists projected onto the international stage half way between the local and the global (or as Gerardo Mosquera has said, “glocal”). He also belongs to a group of visual artists that have not been through the often castrating structures of academic “fine arts” programs; instead, he mixes his training and interests in architecture and urban planning with historical, political, social and anthropological concerns (among others) [creating pieces] that transcend the purely “aesthetic” while retaining the artists’ personal touch.

While the debate over the relevance or legitimacy of “traditional” versus “contemporary” media and languages continues to some extent in the Central American art world, this discussion is becoming ever more insipid and anodyne, giving way to the much more stimulating discussion – in my view – of how visual artists can insert themselves on to the world stage and at the same time engage with local issues in a professional, ethical and congruent fashion and in ways that are not conditioned by what is requested or expected of them by hegemonic or mainstream artistic circles. In this sense, Marcos Agudelo finds himself with the privileged status of regional visibility and legitimacy, although he has yet to take the risky and often restrictive jump toward the “glocal”, meaning, I believe, that he has the advantage of a certain level of freedom and self-critical serenity in which he can explore issues and develop his ideas.

As much, it is notable that in some of his most interesting pieces, despite the fact that he explores the domain of objects, Agudelo does not fit into those neo-sculptural tendencies marked by playfulness and irony, Kitsch and “good practice” ­– as institutionalized in Central America by artists such as Priscilla Monge or Darío Escobar  – that finds itself today with too many epigones, almost always with more formal devices than expressive substance. Hence, surprising propositions such as The virgin in a bag (2006), which received a mention in the Second Central American Exhibition of Emerging Art sponsored by Costa Rica’s Museum of Contemporary Art and Design, suggestively turn the tables on the omnipresent, ready made world of DuChampian object art by using the object to evoke both popular beliefs and religious mysticism, while at the same time presenting it as a gesture whose appearance of transgression makes it the antithesis of object-ness, all the while lending itself to becoming a fetish in a museum or to gallery-based consumption. This ambiguous and precarious object-based quality, something similar to what Rosalind Krauss has called the “expanded space” of sculpture, or that which is everywhere and nowhere, is evoked in a very different manner in a piece like The Verb (2008) which consists of a piece of beef with the title inscribed with a knife. Its linguistic-conceptual echoes and biblical connotations act as a paradoxical catalyst within the mind-boggling debate on “therapeutic” abortion in Nicaragua, [the prohibition of which] received equal blessing from both the Catholic Church and its new ally, the pink post-Sandinista regime led by Daniel Ortega in his most recent presidency and his wife Rosario Murillo.

This expansive and subversive play on sculptural creation is found again – and much more radically – in the group of photographs entitled Vietnam Social Sculpture (2007), which were taken by Agudelo during an internship in Vietnam. He this work he closes in on and at the same time contrasts both intention and eventual meaning using playful gestures involving photography, sculpture and performance in the tradition of Gilbert & George, for example, but also – and closer to home – the series of photographs Auras of War by his compatriot, Ernesto Salmerón. This diffuse but powerful quality of the object is also found in pieces like Central American Disintegration (2007), where the precariousness of material and its assembly, become meaningful metaphors of political, social, cultural and human aspects of the regional context, both historic and contemporary, which is marked by fragmentation and isolation. On the other hand, the sui generis and eccentric nature of contemporary Nicaraguan politics, where old and fierce enemies have become pragmatic and close allies, has inspired [Agudelo to create] confrontational pieces like Rose c’est la vie (Sandino in pink) (2008), an ironic appropriation of the most recent iterations of Sandino-lite, or the pictorial performance The Electric Ladyland (2008), dedicated, of course, to the powerful first lady of Nicaragua and her pink-coloured, post-Sandinista media campaign. Perhaps this is why the recent poetic and radical performance entitled Burn What You Have Loved, Adore What You Have Burned. Revolutions are like burns, they put you on fire for a while, and then leave you with the burns (2009) which consists of Agudelo’s hand on fire in front of the Nicaraguan National Congress acts as a reminder of the cutting reflection by François Lyotard on the phenomenon of modern “revolutions” as privileged sources of irrational “enthusiasm”, overflowing yet ephemeral, whose final destiny, almost always macabre, is to destroy its own utopias and devour its own children.

It is not by chance then that Agudelo has turned to repositioning of an alternate memory, almost always forgotten or relegated by History with a capital H (the History of the powers of the day), in order to confront the ambivalent condition of historic text and its inevitable (ab)uses: those that make visible or rescue, as well as those that silence and hide. Perhaps this is why his public interventions which entail the subtle installation in public places of ephemeral but powerful anonymous characters relegated by the narratives of the powerful, thus re-enrolling them in collective memory and imagination, such as Burial/Amnesopolis (2005) or the winner of the Central American Biennale, To the Lost Tomb of Andrés Castro, To Nicaragua’s Heroes with no Tomb(2008) result not only in a shifting in the uses of public statues and their political or symbolic rhetoric (as stated by the Bienniale’s jury), but also converting themselves into a radical gesture that questions the apparent “neutrality” of text and of even the material itself, and reactivates the symbol employing its microphysical, micro-political and imaginary potential which is always unpredictable and changing (as proposed by thinkers like Michel Foucault, Gilles Deleuze and Felix Guattari), all the while without losing a certain “aesthetic” quality that, as stated by Jacques Rancière in reference to the opposing complementarity between the political and the aesthetic in art today, enhances these gestures as a ephemeral transformation rather than permanent record.

Finally, I would like to close by mentioning another piece by Agudelo that demonstrates the movement towards anonymous and ephemeral art with political, and human, connotations. His video Canda (2006), which employs a small and suggestive image, makes us unaffected protagonists, witnesses to the dismemberment of a person – Natividad Canda – by a couple of Rottweilers in Costa Rica. This incident also instigated the high profile and scandal-provoking piece by Guillermo Varga (Habacuc), Exposition No. 1. However, while Habacuc resorted to the supposed “real” death of a dog as a metaphor for reflection and public condemnation and which foreseeably caused contention, Agudelo approach focuses on the space between miniscule and almost imperceptible images that engender concern and unease as soon as we confront the subtlety of a terrible and bloody image (similar to what Jean Baudrillard called “hyperreal”, that we which we see and even morbidly enjoy on a daily basis via our televisions or the internet) with the weightiness of what is hidden and out of sight, or that which George Didi-Huberman affirms, in Images in Spite of All, cannot be displayed…

Translated from the original by A. Procter.

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2. MARCOS AGUDELO. TALE(S) FROM A REGION / 2011

By Daniel Garza-Usabiaga (Mexico), published in EXIT-Express (Spain)

 

Marcos Agudelo’s body of work examines Nicaragua’s recent history, mainly from the Sandinista revolution at the end of the 1970s onwards. While his exploration remains local, connections can be drawn with the regional arena. For example, the practice of historical revisionism for political ends, which is common across Latin America. Currently, many countries face similar economic problems that encourage migration and their development model employs a specific type of industrial production.

In relation to his projects on historical revisionism, Agudelo emphasizes public space. For example, Amnesopolis (2004) consists of a video filmed in Managua’s Plaza of the Republic, a symbolic place of congregation for Sandinistas since celebrating there, in 1979, the victory of the Revolution. In 1999, then president Arnoldo Alemán, the most hostile leader to the Sandinista regime that the country has seen, installed a musical fountain in the plaza as well as green space, ending the plaza’s function as a public gathering place. In the video, Agudelo holds up the photograph taken by Susan Meiselas on the day of the Sandinista victory that shows the plaza full of people celebrating and honouring an armed group that is riding on a tank. The photograph is placed inside a jar and subsequently buried in a newly greened area of the plaza. The piece reveals the malleability of public space, which allows new meanings to be produced while others are erased. The action, in another sense, seems to mark an end, that is, the end of a series of progressive social ideals in an era characterized by neoliberal government.

Agudelo has also created a series of pieces, consisting of objects and MP4 players, with similar historical observations. Called “video-objects” the pieces consist of objects easily associated with popular uprisings such as rocks or fire. The video players display how this same object is buried, such as in Amnesopolis, somewhere in the city. In this way, these pieces serve as anti-monuments, not only in their scale and ordinary-ness but also in the way they put an end to the possible meanings of the objects. To the flame of the homeland, to Rafaela Herrera’s undiscovered remains, to Nicaragua’s Heroes with no Tomb (2009) is a piece composed of a gas cylinder that feeds a flame and a MP4 player. The title refers to a battle on the San Juan River, where Rafaela Herrera burned enemy ships. In this context, the flame is a symbol of struggle and self-determination. In the video, Agudelo holds up a torch in one of Managua’s traffic circles and later buries it in the ground. In recent years, Managua’s traffic circles, characteristic of its urban form, have been converted into large structures for displaying Christmas trees. The author of this project, which remains on display well past Christmas, is Rosario Murillo, wife of president Daniel Ortega. The presence of these continual reminders of Christmas in a tropical city, demonstrate the differences between the current Sandinista government and the government that arose as a result of the Revolution. It is also a contrast between two historical moments, where the current one is incapable of escaping a fiercely neoliberal economic model. Agudelo underlines these differences in burying the torch at the base of a Christmas tree.

Central American Disintegration (2007 and 2008) is the title of two piece made from maps of Central America. In the first, the map is cut into strips and later reassembled in woven form. The image becomes diffuse and the borders between states disappear. It is, in essence, a map of migration in a region marked by a constant flow of people. The second piece is an invented cartography created by a sewing machine and describes a region united by clothing factories, which have become the industrial development model for Latin America.

Them (2009) was created in a public venue and addresses similar themes. In this project, Agudelo covered the stairs into Managua’s most exclusive shopping mal with “ropa de paca” (second hand clothing that is sold by the kilogram in the US and later resold in Latin America). The piece can be read as a representation of the social stratification and separation that exists in the region as one confronts two cycles of merchandise: new and used clothing, each accessible to a specific socioeconomic group. However, the clothing’s journey can also represent migration processes when one considers that many of the pieces of clothing may have originated in local factories to be later taken to the US only to be reintroduced into region as new or used merchandise.

 Translated from the original by A. Procter.

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3. BEAUTY IS NOT FOR EVERYONE / 2010

By Francisco Ruiz Udiel, for Carátula (Nicaragua and Central America)

 

The Spaniard José Ortega y Gasett (1883 –1953) was a radical philospoher who fell in love with art produced by young people during the early 1920s. Tongue-in-cheek, he stated in his essay, “The Dehumanization of Art” that there were two options when dealing with young people: shoot them or force oneself to understand them. He opted for the latter.

The dehumanization of art, the essense of irony and a non-transcendental quality marked emergent artistic styles of the time. [Ortega y Gasset’s] primary critique of the aesthetic addressed the issue of the concrete reality of a contemplated object.

In a first instance, the object that the individual observes is a concept, idea or image. To uncover its intimate being, one has to void its objective reality and transform it into something new. One tool is the metaphor, which is defined as “putting one thing in place of another.” In other words, to transpose an essential value upon the thing we observe. To do so, it is necesary to annialate its original qualities in order to equip it with a “new and very delicate quality that gives it beauty.” The intention is to put ordinary elements that we generally disregard inot perspective and relief. It is generally human to conceive reality from a single point of view, but through the process of “dehumanization” this reality because divergent and provides the individual with other options.

These qualities are often subjective and difficult to explain. For this reason I wish to introduce the piece entited Them by Marcos Agudelo, artist, which consisted of a stair case measuring 600 m2 covered with clothing. The objective was to intervene in a architectural space (Galerías de Santo Domingo, a shopping mall in Managua) and the pivotal element was clothing as an allegory for the human body.

Initially, Marcos contemplated a staircase, a concrete and rather dry object. He then decided to transgress that reality and transform it into an aesthetic (or methaphorical) object. For him, what was observed ceased to be; he completely voided its initial characteristics and gave it a new sensibility. Some spectators only saw clothing; some did not understand and voiced their dislike. Ortega y Gasset would respond that it is not that the majority of the public does not like art by young people and that a minority does. Rather, the majority, the masses, do not understand it.

Nonetheless, among the passer-bys, someone stopped and thought of a river perhaps with shipwrecked passengers. However the intervention might be explained, it is notable that this impression gave the individual maximum aesthetic enjoyment, [a state] which is reserved for some and prohibited for others (but never for those that have the privilege of having been introduced to [Ortega y Gasset’s] book which explores beauty).

Translated from the original by A. Procter.

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4. ¿ARTE = ROPA TIRADA POR EL MALL? / 2009

Revista La Brújula (Managua)

Si te asomaste el martes 10 de noviembre por Galerías Santo Domingo seguramente viste los montones de ropa usada tirada en las entradas al mall. Era una de las obras participantes en la VII Bienal de Artes Visuales de la Fundación Ortiz-Gurdián. Su autor, Marcos Agudelo, nos explica de qué va.

Empezó en 1997 como una actividad centrada en la pintura para, a partir del 2001, darle espacio a todo el espectro de las artes visuales. Y a partir de esta, su séptima edición, en la Bienal de Artes Visuales de la Fundación Ortiz-Gurdián también pueden participar obras realizadas en cualquier espacio de la ciudad.

Marcos Agudelo Builes (21 agosto 1978) aprovechó la oportunidad para “intervenir” el centro comercial Galerías Santo Domingo, regando ropa usada por los diferentes accesos del local. Se trató, en la descripción del propio Agudelo “de una instalación gigantesca, dónde la clave está en que el objeto se encuentra fuera de su contexto normal”. “Mil 800 piezas de ropa tirada en los accesos de un mall buscan la poesía de una imagen fuera de su contexto normal” explicó el artista, quien considera que su intervención también tiene “algo de cinematográfica”, “La ropa tiene una asociación inevitable con el cuerpo humano, la idea de descontextualizar la ropa y asociarla a la arquitectura del edifico busca provocar una imagen con nuevos significados” dijo. “También al hacer que el espectador sea parte del proyecto, porque inevitablemente todo el que pretenda acceder al edifico por sus entradas principales deberá hacerlo sobre la piezas tiradas en el suelo” continuó. (Nota: La ropa fue alquilada en una tienda de vestuario de segunda mano, a la que fue devuelta una vez completada la intervención).

Pero ¿califica esto como arte? Para Agudelo “el arte existirá en quién lo perciba, en quién se sienta afectado por la obra. Si no te dice nada el trabajo, entonces no hay nada” sostiene. A Bismarck Ríos, de visita por el centro comercial durante las primeras horas de la intervención, la instalación le sugiere la idea de que la sociedad nicaragüense “está a la intemperie, a la merced del viento y del sol”. ¿Era ese el mensaje de la obra? “No soy un activista de ningún tipo, y mucho menos un moralista” aclara Agudelo. “Y describir la pieza sería como matarla. Prefiero sugerirla”.

“Cuando el Arte de Repite, Muere”

Buena parte de la gente que a diario transita por Galerías Santo Domingo probablemente no pensará en la ropa tirada por las escaleras como algo que merezca el calificativo de artístico. Y seguramente lo mismo también podría aplicarse a otras obras de la bienal. “No creo que el arte deba ser para iniciados, y en lo personal no me interesa hablar en claves para una cuanta gente. Pero tampoco recurrir a fórmulas ya vistas para complacer a más espectadores” sostiene Agudelo, ganador el año pasado de la VI Bienal de Artes Visuales del Itsmo Centroamericano. “Yo creo que el problema es más bien una cuestión de actitud, de desapegarte de todo aquello que tenés asumido como arte y asumir formas diferentes de búsqueda. Y creo que con el tiempo la gente cada vez más acepta nuevas formas de exploración en el arte, que a final de cuentas tiene en lo novedoso uno de sus objetivos. Porque cuando el arte se repite y repite, muere”. Agudelo pone como ejemplo la corriente impresionista, que en su época fue objeto de escándalo y hoy en día tiene una aceptación generalizada. “Sin embargo no tiene mucho sentido ya seguir pintando como los impresionistas porque creo que ya queda poco que decir en ese tema”. Según este arquitecto de formación, quien está participando por tercera vez en la Bienal de la Fundación Ortiz-Gurdián, un problema es que en Nicaragua apenas se empiezan a explorar formas artísticas como el arte objeto o el performance. “Y desafortunadamente también vivimos en un país lleno de carencias y el apoyo al arte es una de ellas. Los artistas tienen que ingeniárselas ya para producir, entonces más allá de eso es difícil encontrar espacios dónde interactuar, exponer o cultivarte”. “Yo admiro profundamente a este país que no se cómo siempre ha sacado gente buena en todas las artes. Pero casi que creo en el principio de la generación espontánea” sostiene Agudelo, para quien la Bienal es, hasta el momento “el único evento que acredita a los artistas que hablan con un lenguaje contemporáneo en las artes visuales” en Nicaragua. “Artistas, estado y empresa privada deberían hacer más al respecto. Pero es de admirar el esfuerzo de la Fundación Ortiz-Gurdián” sostiene Agudelo, quien en esta edición estará además participando con una segunda obra que él mismo define como un “anti monumento”.

Nacionalismo Manipulado

“Es una obra que transgrede la idea de la estatuaria común, que se niega a sí misma (por absurdo que suene): una video-instalación llamada: “A la llama de la patria, a los restos sin sepulcro conocido de Rafaela Herrera, a los héroes sin tumba de Nicaragua” explica. “Es parte de una serie de trabajos que he venido desarrollando desde hace un año ya, en los que cuestiono entre otras cosas la construcción y manipulación del nacionalismo y sus símbolos identitarios desde el poder, así como la idea anestesiada que tenemos de la patria” explica. Precisamente, Agudelo reconoce en “las perversiones sociales” la base de buena parte de su obra: “aquello que asumimos muchas veces como normal, pero que en el fondo no es más que una construcción mental asumida por generaciones o una aberración de la cultura”. Mientras, a nivel de medios, declara una preferencia por “el arte conceptual, el minimalismo, la instalación y el objeto, aunque también he hecho video y algo de pintura” explica. “Como arquitecto me apasiona la arquitectura sostenible –en la cual me estoy doctorando en Barcelona- y en ella la construcción con bambú, aunque desgraciadamente se ha hecho nada productivo en Nicaragua al respecto”.

¿Y su método de trabajo? “Normalmente no busco nada, las cosas aparecen por sí solas… Lo que si trato de hacer es trabajar -aunque a veces la arquitectura me acapara y no puedo hacer otras cosas- porque del trabajo nacen los proyectos, no de una “inspiración” que realmente no existe, salvo raras excepciones. Y cuando aparece normalmente viene ligada a un esfuerzo”. “En general trato maniáticamente de ser lo más simple y sencillo que pueda para transmitir un mensaje con contenido. Me gusta estar al tanto de lo que se hace y se ha hecho en el arte, la tecnología nos absorbe y ello también afecta al arte -no se puede ser inconsciente de ello-, la preocupación medioambiental también es un punto que me preocupa –más como arquitecto- y la condición humana cómo he comentado en otras ocasiones”. Parte de la obra de Marcos se puede encontrar en El Museo de Diseño y Arte Contemporáneo de San José de Costa Rica (MADC) o como parte de la colección de la Fundación Ortiz-Gurdián en Nicaragua. “En Internet se puede encontrar algo, aunque muy poco. Pero en breve espero publicar una página web con una selección de mis trabajos y algo de lo que sobre ellos se ha escrito. Esto paralelo a una exposición que pretendo realizar el año entrante” anuncia. Pero por lo pronto, para ver lo más reciente de su obra, así como el trabajo de los otros 14 artistas que fueron seleccionados para participar en la séptima edición del que ya es el evento sobre artes visuales más importante del país (y uno de los principales de Centro América), date una vuelta por el Palacio Nacional de la Cultura a partir de este jueves 12 de Noviembre: la Bienal de la Fundación Ortiz-Gurdián.

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5. BOLTANSKI´S CLOTHES LEAVE AGUDELO OUT IN THE COLD / 2010

Marisa Mazria Katz, The Art Newspaper (New York)

Plans to bring to New York Nicaraguan artista Marcos Agudelo´s site-specific work Ellos (above, left), which consists of thousands of used clothes scattered in a single location, have been abandoned upon the announcement Christian Boltanski´s No Man´s Land will head to the Armory this May. Part of the New York Armory´s annual commissioning program, Boltanski´s work will fill the 55,000 sq.ft Wade Thompson Drill Hall with ¨thousands of pieces of discarded clothing and a soundtrack of reverberating heartbeats¨. No Man´s Land is a ¨companion piece¨ to Personnes (below, left), a similar project first featured in Paris´s Gran Palais for the 2010 Monumenta.

Agudelo began using textiles in a 2005 competition for emerging artists at Costa Rica´s Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, for wich he took home the top prize. The 31-year-old artist then went on to win first place at the 2008 Central American Biennial (CAB) in Honduras for his piece ¨A la Tumba Perdida de Andrés Castro, a los Héroes Sin Tumba de Nicaragua¨ , 2008, wich also incorporated used clothes. On the heels of his Honduras win, he was asked to represent his native Nicaragua in the 2010 CAB in Panama. Agudelo´s Ellos was selected for the 2010 CAB after the event´s jurors were submitted images of its first configuration at Nicaragua´s 2009 Bienal de Artes Visuales. It was at that time the artist scattered used clothes shipped in large quantities from the United States to Nicaragua across the entrance of a high-end mall in capital Managua.

¨The piece was really good,¨ said Elvis Fuentes, jury member of the 2010 CAB biennial and curator for the El Museo del Barrio, who was in discussion with Agudelo to possibly bring Ellos to New York´s El Museo´s Biennial ¨The (S) Files¨ from June to August, 2011.

But the talks came to halt upon discovering the similarity to Boltanski´s No Man´s Land. ¨We were planning somehow to bring the piece here, but that doesn´t make any sense now¨ said Fuentes.

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6. USTEDES NOSOTROS / JÓVENES ARTISTAS IBEROAMERICANOS / 2010

Por Luisa Fuentes Guaza (España)

Agudelo encarna la transdisciplinariedad propia de nuestro tiempo desde su currículum hasta las técnicas que componen su trabajo y que confluyen en una línea común basada en el compromiso a través del refinamiento estético y un pensamiento estructurado propio de su formación.

Su obra es polifacética como extensa y engloba proyectos arquitectónicos con enfoque medioambientalista acorde a las tendencias contemporáneas de la arquitectura en los que integra tecnología y tradición: ¨Casa Mecano¨, Primer Premio Concurso Internacional VIVBAMBÚ, Vivienda Social para Cuba y Casa en el Gran Lago (Nicaragua).

También trabaja objetos, instalaciones y vídeos referentes a la temática social actual, la miseria ante la indiferencia social y política que debilita la conciencia de los ciudadanos comunes, en la intervención que realizó en un centro comercial de Santo Domingo, en la que se aprecia esa búsqueda de lo poético a través de una imagen fuera de su contexto normal.

Su obra es denuncia y, ala vez, alerta contra la ¨inconciencia¨ (según sus propias palabras), la falta de valores identitarios dirección que se aprecia especialmente en el monumento a Andrés castro y a los héroes sin tumba e Nicaragua, que según el artista ¨parte de la idea de la manipulación de los símbolos patrios de Nicaragua por parte del gobierno en el poder, así como de nuestra indiferencia como sociedad civil hacia la protección de nuestra identidad (…) es el monumento clandestino al héroe sin tumba, y al de tantos héroes sin tumba de Nicaragua¨.
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7. MARCOS AGUDELO Y LA GENERACIÓN DEL IPOD / 2012

Por Sindy Martínez (Cuba), Boletín Nº2 Oncena Bienal de La Habana (Cuba).

“Creo en la condición humana y la tecnología.”
Marcos Agudelo

“Vivimos en la era de la globalización tecnológica” se ha convertido en una expresión recurrente durante los últimos años. Sin embargo, no es solo una simple y vacía frase que el hombre ha utilizado para determinar por cuál momento de su historia transita, sino que es una realidad consumada y una problemática que, en virtud de su complejidad y actualidad, ha sido incorporada al discurso artístico por los más diversos creadores. El artista nicaragüense, Marcos Agudelo sea quizás uno de los que en correspondencia con el tema ha logrado concebir de las propuestas más interesantes a partir de lo que el mismo denominara “videobjetos”, híbridos entre objetos e iPods (u otro dispositivo digital), y “videoinstalaciones” donde se presentan objetos y acciones registradas con ellos mismos.

Según Claudia Neira Bermúdez, “Marcos Agudelo Builes es un revolucionario en el sentido estricto de la palabra. A sus 30 años no sólo ha alcanzado lo que muchos artistas no han conseguido, sino que en sus obras recorre, vive y transforma sus experiencias y su entorno, de la mano de su sólida formación de arquitecto y de artista visual”.1 Así lo confirman los premios y reconocimientos obtenidos por su obra en Costa Rica, Cuba o Estados Unidos y su participación en numerosos certámenes internacionales, particularmente latinoamericanos, entre los que cabría destacar la VI Bienal Centroamericana de Artes Visuales, la Bienal Iberoamericana de Videocreación, la Muestra Centroamericana de Arte Emergente y las Bienales de Artes Visuales de la Fundación Ortiz–Gurdián en Nicaragua.

En cada una de sus proyecciones artísticas, ya sean planes arquitectónicos con enfoque medioambientalista, pinturas de fuerte tendencia hacia el expresionismo abstracto con un novedoso uso de materiales, texturas, colores fosforescentes y metálicos, fotografía, así como videos, objetos e instalaciones, Agudelo refiere la temática social actual, la miseria ante la indiferencia social y el auge tecnológico en tono muchas veces de denuncia y llamando la atención sobre la inconciencia y la pérdida de valores identitarios. Este aspecto, sumamente claro en la obra A la tumba perdida de Andrés Castro , será el que de manera palpable presente en sus diversas propuestas en la reciente edición de la Bienal de La Habana bajo el principio Prácticas artísticas e imaginarios sociales.

Padre, A Diriangén, a la resistencia indígena perdida, a los héroes sin sepulcro de Nicaragua y Suéñate muerto–teología de la liberación son los nombres de los proyectos que este multifacético y revolucionario artista presentará en el evento caribeño. Y si bien cada uno discursa sobre una problemática social particular –tiranías políticas, homenaje al componente indígena como símbolo de lo autóctono, estatuas citadinas en las que nadie conoce al héroe que representa, pasajes teológicos– cada una está unida por un elemento común: un iPod. Quizás el autor también es capaz de confirmar que estamos viviendo en la era de las comunicaciones; que somos la generación del iPod y que sin duda este aspecto determina la “nueva” manera en que es referido el imaginario social. La tecnología pudiera ser entonces el imaginario social contemporáneo en tanto este “expresa los vínculos y las relaciones de amplios grupos de personas que abarcan a toda la sociedad, compartiendo intereses comunes y estableciendo niveles de legitimidad”.3

Su mensaje es más eficaz en tanto se nutre de las nuevas tecnologías como un recurso artístico más en sí mismo para cuestionar –según sus propias palabras– “la construcción ultrajada del nacionalismo y la identidad. La patria y sus héroes sin gloria, recuerdo ni tumba. Y también sus héroes mutados en superhéroes, deformados, agigantados por las proyecciones del presente hacia el pasado, esa morbosa necesidad del presente de justificarse construyendo “un pasado adornado con todas sus plumas”.4

De la misma manera que los exponentes del arte de protesta durante el siglo XX hicieron de los medios de comunicación sus propias armas, Marcos Agudelo presentará en la Oncena Bienal de La Habana un imaginario social donde utilizará el iPod como una herramienta más de construcción y “actualización” para proyectar problemáticas pasadas y presentes de Nicaragua y de toda Latinoamérica. Sin embargo, y aún cuando estos “objetos artísticos” van convirtiendo la memoria en registro, son documentos que se autoniegan, deconstruyen el evento que atestiguan, son antimonumentos de la historia, “antiestatuas”.5 Incluso refriéndose a este aspecto señala en una entrevista “(…) me interesa la auto negación como condición para existir y cuánto de ello asumimos como individuos, como seres sociales o como cultura, por paradójico que suene, yo al mismo tiempo lo cuestiono”.6

Esperemos entonces que ese mismo espíritu crítico y cuestionador llegue a la realidad cubana, a la generación del iPod caribeña y que, aunque fuera de contexto social, permita identificar a determinados sectores con problemáticas generales y haga merecedor a Marcos Agudelo de tantos premios y reconocimientos como los que hasta hoy ha logrado en su carrera.

1 Neira Bermúdez,Claudia, Marcos Agudelo: Multifacético y revolucionario, en La brújula digital (http://www.brujula.com.ni/), martes 31 de enero de 2012.

2 Lo hizo merecedor del Primer Premio de la VI Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano en Honduras,
el pasado noviembre de 2008.

3 ” Oncena Bienal de La Habana. Prácticas Artísticas e Imaginarios Sociales”, Plataforma Conceptual

4 Proyecto de Marcos Agudelo presentado para la Oncena Bienal de La Habana.

5 Ibídem

6 La presencia ausente en la cotidianidad de Marcos Agudelo, en La brújula digital, martes 31 de enero del 2012.

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8. LA PRESENCIA AUSENTE EN LA COTIDIANIDAD DE MARCOS AGUDELO / 2010

Por Emila Persola / Martín Mulligan, para la revista La Brújula (Managua).

Ausencias es una exposición de 18 piezas, conformada principalmente por video-instalaciones con los que el artista persigue una búsqueda de la presencia de lo ausente en la construcción de la vida cotidiana abordándolo desde la política, el poder y la cultura.

Quizás la exposición cuente con sus sorpresas pues hay agradecimientos especiales a artistas tan diversos como al jinotepino Oscar Rivas, al pintor francés Jean Marc Calvet, al diseñador Jorge Pavón y, entre otros , hasta al Chayanne de Pochomil.
La Brújula platicó Agudelo sobre Ausencias. He acá sus impresiones…

Decís que la expo trata sobre la presencia de lo ausente en la construcción de lo cotidiano… Hablame sobre las fuentes que te llevaron a trabajar desde esa óptica.

La representación es un problema constante y común a todas las artes… ¿cómo represento una idea cualquiera que sea? Dicen que describir algo es matarlo, hay quienes prefieren no representar y quedarse en la dimensión del concepto. Yo prefiero las sutilezas, me interesa la auto negación como condición para existir y cuánto de ello asumimos como individuos, como seres sociales o como cultura, por paradójico que suene, yo al mismo tiempo lo cuestiono.

Tus exposiciones o las que coordinas, vienen con nombres que apelan de algún modo a la NO permanencia con títulos como “Efímera”, “Like a Rolling Stone” o “Ausencias”… ¿ Qué hay detrás de esto?

Me preocupa lo que en apariencia es irrelevante, pero que en el fondo encierra un mensaje contundente. Adoro la simplicidad, lo mínimo, aquello que puede ser ¨bello¨ y trascender el tiempo siendo siempre ¨bello¨, los gringos tienen la expresión timeless (atemporal); las pirámides de Egipto, por ejemplo, son timeless porque son formas mínimas, geometría llevada a la máxima simplicidad y perfección ¿y a quién no le gustan las pirámides de Egipto o las ha dejado de admirar? a nadie; Sin embargo ¿a quién le sigue gustando Millie Vanillie? (rié)… Me gustan las sutilezas, el trabajo que en apariencia es descomplicado, casual, meramente espontáneo pero que en el fondo es el resultado de un refinamiento.

Tu trabajo está en constante roce con el poder político. Tenías algunos cuestionamientos con el poder cuando vivías fuera de Nicaragua, pero ahora, dos años después de vivir acá, cómo afecta la situación políticadel país en tu trabajo?

Recuerdo haber estado más preocupado por el poder cuando estaba fuera del país, adentro la realidad convulsa te distrae tanto que no te asustas de ver las grandes verdades, aunque siempre te golpean, pero se asumen como ¨normales¨. Supongo que es la intrínseca capacidad biológica de adaptación a la adversidad del ser humano. (…) pero bueno, mi obra fue, es y será un cuestionamiento al poder y a la construcción de aquello que entendemos como cultura.

¿Si no estuvieras en Nicaragua, estas exposiciones serían las que son o habría otros resultados?
Serían idénticas. A lo mejor habría otros actores y formalmente habría algunos cambios, pero estaría diciendo prácticamente las mismas cosas y muchas de las obras que presento fueron creadas en mi larga estadía en Barcelona (España).

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C I T A S _ D I A R I O S _ Y _ R E V I S T A S
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1. THE NEW YORK TIMES

HOLLAND COTTER (USA)
Artists Whose Vitality Flows From the Streets / Published: June 16, 2011

…¨In the end the most satisfying work is the most visually unassuming: a beautiful abstract wall relief made of stretched inner tubes by Adán Vallecillo; an ingenious sound installation by Thessia Machado, with two turntables tripping off miniature percussive devices; three small object-video sculptures by Marcos Agudelo; and Jessica Kairé’s stuffed-and-stitched soft-sculpture weapons: like morally slippery toys, they render aggression harmless but also make it O.K.¨

http://www.nytimes.com/2011/06/17/arts/design/el-museos-bienal-the-s-files-2011-review.html?pagewanted=all

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2. ARTE AL DÍA (Argentina)

VICTORIA VERLICHAK (Argentina)
BAVIC ‘08 Reflexiones políticas, vericuetos existenciales / 2008

…¨A la tumba perdida de Andrés Castro, los héroes sin tumba de Nicaragua, de Marcos Agudelo (Nicaragua), recurre al pasado para denunciar el presente y la manipulación de los muertos y la información. Potente videoinstalación con una piedra sujeta a un MP4 que reproduce un video de un minuto, mostrando unas manos enterrando la piedra, una valla con propaganda del gobierno de Daniel Ortega, un instante con un cielo azul. Sargento que detuvo con piedras el paso de los filibusteros, en 1856, Castro no tiene sepultura conocida.¨

http://es.artealdia.com/International/Contenidos/Bienales_trienales/BAVIC_08

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3. CÓDIGO núm56 / 2009 (México)

ERNESTO CALVO (Cuba)

…¨Como un intento de reinstalar una memoria, “otra”, ésa casi siempre olvidada o relegada por la Historia con mayúsculas, en tanto efectivo modo de confrontarse con la ambivalente condición del documento histórico y sus inevitables usos —esos que visibilizan o rescatan, pero también los que silencian y ocultan—, las intervenciones públicas Entierro/Amnesiópolis (2005) y A la tumba perdida de Andrés Castro, a los héroes sin tumba de Nicaragua (2008), ambas del nicaragüense Marcos Agudelo apuestan por posicionar en sitios públicos, de forma sutil aunque potente, la huella de personajes casi anónimos relegados por las narrativas del poder en turno, para reinscribirlos en un imaginario colectivo que los reconozca y haga suyos. De tal modo, estas intervenciones no sólo resultan en un desplazamiento de la habitual inscripción escultórica u objetual de la estatuaria pública y sus retóricas político-simbólicas, sino que se convierten en un gesto que pone en entredicho la aparente condición neutra del documento —e incluso de su materialidad misma— para activarlo desde una potencialidad microfísica, micropolítica, imaginaria y siempre voluble (tal como lo propusieron, entre otros, Michel Foucault o Felix Guattari), pero sin perder por ello una cierta condición “estética” que —como afirma Jacques Rancière, al referirse a la complementariedad tensional entre lo estético y lo político en el régimen actual del arte— potencia esos gestos puntuales como devenir efímero, siempre cambiante, antes que inscripción permanente.¨
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4. ARTNEXUS núm72 / 2009 (Colombia)

MÓNICA KUPFER (Panamá)
Identidades múltiples: La Sexta Bienal del Istmo Centroamericano

…¨Marcos Agudelo, de Nicaragua, por su videoinstalación A la tumba perdida de Andrés Castro, a los héroes sin tumba de Nicaragua, compuesta por una piedra y un miniaparato MP4con un video filmado en Managua, en el que dos manos entierran la piedra en el suelo nicaragüense. La pieza es notable, en palabras del jurado, porque ¨revierte las convenciones de la estatuaria púlica para converteritse en un efectivo agente para repensar la historia¨. Cerca de ese antimonumento estaba montada la segunda obra de Agudelo, Desintegración, un maravilloso petate tejido – pero parcialmente desecho – con tiras cortadas del mapa centroamericano.¨

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